Se ha demostrado que dibujar es una actividad muy beneficiosa para nuestro desarrollo personal. Permite desarrollar la memoria, la creatividad, la resolución de problemas… Pero muchas veces cuando queremos iniciarnos en este mundo nos encontramos con un muro que nos quita las ganas.
Muchas webs dan por sentadas muchas cosas que no tienes por qué conocer. Por eso, en Not Hamlet Design, vamos a hacer una serie de artículos que te ayuden a iniciarte en este mundo desde el primer paso.
Nuestras primeras pinceladas serán una introducción general en la que posteriormente profundizaremos.
Herramientas Esenciales de Dibujo
Cuando yo me iniciaba en el mundo del dibujo y buscaba artículos como estos siempre te recomiendan un montón de materiales que suponen un gasto inicial completamente innecesario.
Lo cierto es que para dibuja solo son imprescindibles 3 cosas: algo con que poder dibujar, una superficie donde poder hacerlo y tú, que vas a ser quien creé el dibujo.
Con un lápiz y un papel ya puedes crear tus propias ilustraciones. Lógicamente en el futuro serán necesarias más herramientas, pero ahora estamos empezando y es mejor aprender a usar bien lo más básico para luego pasar a lo siguiente.
Voy a enumerar una serie de materiales para que tengáis más información, pero recordad que lo que tengáis sirve:
- Lápices de Dibujo: Los lápices son el alma del dibujo. Vienen en diferentes niveles de dureza, identificadas por letras o números, que indican la suavidad del grafito. Los lápices más comunes son los HB, que se consideran de dureza media. Si deseas líneas más oscuras, opta por lápices con un número más bajo (por ejemplo, 2B o 4B), y si buscas líneas más claras, elige lápices con un número más alto (por ejemplo, 2H o 4H).
- Papel para Dibujo: El papel adecuado es fundamental para lograr buenos resultados en tus dibujos. Busca papeles de dibujo que sean resistentes y suaves al tacto. Los papeles con textura (como el papel de grano medio) son ideales para trabajos en seco como el grafito y el carboncillo. También hay papeles especialmente diseñados para técnicas húmedas como la acuarela.
- Goma de borrar (borrador): Un buen borrador es esencial para corregir errores y ajustar detalles en tus dibujos. Los borradores de goma blanca son adecuados para eliminar líneas y trazos, mientras que los borradores de goma maleable son ideales para crear efectos de luces y sombras mediante el difuminado.
- Sacapuntas (Afilador): Es importante mantener tus tus lápices afilados para obtener líneas precisas y detalladas en tus dibujos. Opta por un sacapuntas que tenga una hoja de metal afilada para evitar que el grafito se rompa durante el afilado.
- Regla: Una regla es útil para crear líneas rectas y medidas precisas en tus dibujos. También hay reglas para hacer líneas curvas. Pueden ser una buena ayuda en muchas ocasiones.
- Portaminas: Si prefieres trabajar con con líneas más definidas y limpias, considera utilizar un portaminas. Estos lápices mecánicos te permiten tener un trazo más consistente y nítido en tus dibujos.
- Tablero de Dibujo o Superficie Firme: Es importante tener una superficie estable y firme para trabajar cómodamente sin fallos indeseados.
A medida que avances en tus habilidades y experimentes con diferentes técnicas, podrás agregar más materiales a tu kit. La práctica constante y la experimentación con diferentes herramientas te ayudarán a descubrir tu propio estilo y desarrollar tus habilidades artísticas. ¡Recuerda que no se trata solo de las herramientas, sino de la pasión y el compromiso que pongas en tu arte lo que hará que tus dibujos sean únicos!
Tipos de Líneas y Trucos para Practicar
Las líneas son elementos fundamentales del dibujo y juegan un papel crucial en la creación de formas, detalles y expresiones en tus obras. Dominar los diferentes tipos de líneas y practicar su ejecución te permitirá mejorar tu precisión y habilidades de dibujo.
Hablemos rápidamente de los distintos tipos de líneas:
- Rectas y Curvas: lo primero que pensamos al hablar de líneas. Con ellas ya es posible elaborar un dibujo completo.
- Continuas o Discontinuas: Las continuas se suelen usar más para delinear dibujos mientras que las discontinuas se pueden usar para crear texturas.
- Grosores: Jugar con el grosor de los diferentes tipos de curvas mencionados anteriormente ayuda a crear efectos diferentes. Experimenta con esto para buscar distintos estilos en tus composiciones.
Solo aplicando líneas puedes crear increíbles ilustraciones como esta de @fabio.maria1 .
Como practicar líneas:
En muchos sitios recomiendan dibujar todos los días líneas y círculos en un folio. Es un ejercicio muy útil pero muchas veces puede resultar algo aburrido. Para mi es más divertido realizar esbozos rápidos de cualquier cosa que veáis. Desde una cuchara a la flor que tienes en el balcón. Haz un esbozo rápido dibujando líneas rápidas y fluidas sin preocuparte mucho por la precisión.
Aquí os hago un ejemplo para que entendáis a que me refiero:
Otro ejercicio útil a mayores es dibujar patrones o hacer estudios de referencias. Dibujar patrones consiste en repetir conjuntos de líneasintentado que sean precisas. No pasa nada si no queda perfecto, ¡estamos practicando!
Hacer un estudio de referencias ya es algo más elaborado, consiste en observar fotos, ilustraciones o imágenes que te gusten y analizar cómo se distribuyen las líneas. La mejor forma es intentar replicar esa imagen y aprender donde has fallado.
A veces practicar se puede hacer un poco aburrido, pero ayuda a progresar más rápido. Hay que buscar la forma de hacerlo del modo más divertido posible.
Técnicas Básicas de Sombreado
El sombreado es una habilidad crucial en el dibujo ya que da profundidad y realismo a tus creaciones. Comúnmente se dice que las sombras dan “volumen"a los dibujos.
Vamos a mencionar algunas técnicas básicas de sombreado para que puedas conocerlas:
• Trazo de Lápiz o Lápiz Stump: Lo más usado, hacer las sombras con un lápiz. Se suele usar lápices de tipo B (son más oscuros) para hacer trazos suaves y uniformes en la dirección de la sombra. Cuanta más presión apliques al lápiz, más oscuro será el sombreado. Puedes utilizar un lápiz stump o difumino para mezclar los trazos y obtener transiciones suaves entre luces y sombras.
• Hatching (Tramado): Esta técnica implica hacer líneas paralelas y uniformes en la dirección de la sombra. Cuantas más juntas estén las líneas, más oscuro será el sombreado.
• Cross-Hatching (Tramado Cruzado): Es una variación del tramado donde se superponen líneas en diferentes direcciones. Al cruzar las líneas, se crea una tonalidad más oscura y un efecto visual interesante. Con diferentes ángulos y densidades de líneas se obtienen diversos efectos de sombreado. Es una de mis formas favoritas de dar sombras a los dibujos a bolígrafo.
• Punteado: Consiste en crear sombras mediante la aplicación de puntos o pequeñas marcas en el papel. Cuanto más juntos estén los puntos, más oscuro será el área sombreada. Esta técnica es ideal para texturas detalladas y efectos de sombras precisos, pero lleva muuuucho tiempo.
• Difuminado: El difuminado se logra utilizando un borrador de goma maleable o un lápiz stump para mezclar y suavizar los trazos de lápiz. Cuando trabajas en digital hay distintas herramientas que te simplifican este proceso.
• Chiaroscuro: Esta técnica implica el uso de contrastes fuertes entre luces y sombras para crear un efecto dramático y realista. Ejemplo de ello es este diseño nuestro.
• Gradación: La gradación es una técnica para lograr lograr transiciones suaves entre luces y sombras. Se logra mediante la aplicación gradual de la presión del lápiz, comenzando desde un tono más claro y oscureciendo gradualmente el área sombreada. En digital también hay herramientas que simplifican este proceso.
Recuerda que el sombreado requiere paciencia y práctica. No tengas miedo de estudiar y practicar sombreado con objetos de la vida real o referencias fotográficas. Observar cómo la luz interactúa con los objetos te ayudará a comprender mejor las sombras y a mejorar tu habilidad para dar vida a tus dibujos.
Perspectiva y Profundidad
La perspectiva es uno de los elementos fundamentales del dibujo que permite crear una ilusión de profundidad y espacio en una superficie bidimensional. En este punto vamos a pararnos poco porque al inicio es complicado dominarla, solo vamos a mencionar algunos conceptos básicos para que los conozcas:
- Perspectiva Lineal: La perspectiva lineal es el tipo más común de perspectiva y se basa en el uso de líneas convergentes para crear la ilusión de profundidad. Las líneas horizontales que se alejan del espectador convergen en un punto de fuga en el horizonte. Cuanto más lejos esté un objeto, más cerca estará del punto de fuga.
- Punto de Vista: El punto de vista es el punto desde el cual se observa una escena. Puede ser a nivel de los ojos, desde arriba o desde abajo. El punto de vista afecta la percepción de la escena y la apariencia de los objetos en perspectiva.
- Profundidad de Campo: La profundidad de campo se refiere a la distancia percibida entre los objetos en una escena. Los objetos más cercanos al espectador aparecen más grandes y más definidos, mientras que los objetos más lejanos parecen más pequeños y menos detallados.
- Perspectiva Aérea: La perspectiva aérea se refiere al efecto atmosférico que ocurre a medida que los objetos se alejan. Los objetos más lejanos tienden a tener colores y tonos más suaves, y pueden desvanecerse en el horizonte debido a la interferencia de la atmósfera.
- Perspectiva Cónica: La perspectiva cónica se aplica a objetos que tienen una forma cónica o cónica, como cilindros y conos.
- Perspectiva de Punto de Fuga Múltiple: En algunas composiciones, puede haber más de un punto de fuga para representar objetos que están en ángulos diferentes con respecto al espectador.
Recuerda que la perspectiva es una habilidad que se desarrolla con el tiempo y la práctica. Te recomiendo que utilices líneas guía que te faciliten crear tu composición con cualquier tipo de perspectiva.
Composición y Encuadre
La forma en que organices los elementos dentro de tu dibujo puede influir en cómo se percibe y se interpreta la obra en su conjunto. Una composición bien diseñada puede capturar la atención del espectador y crear un impacto visual significativo.
Vamos a mencionar unos conceptos básicos que es bueno que vayas conociendo:
- Punto de Enfoque: Es el elemento principal alrededor del cual se organizarán los demás objetos.
- Regla de los Tercios: Esta regla consiste en dividir tu área de dibujo en nueve secciones iguales como se muestra en la imagen. Los puntos de intersección de estas líneas son lugares estratégicos para ubicar los elementos importantes de tu dibujo ( por ejemplo, el punto de enfoque).
- Equilibrio y Asimetría: El equilibrio simétrico crea una sensación de calma y estabilidad al dividir el dibujo en mitades iguales. En contraste, el equilibrio asimétrico implica una distribución de los elementos de manera desigual, lo que puede crear una sensación de movimiento y dinamismo.
- Jerarquía Visual: Destaca el punto de enfoque o el objeto principal al hacerlo más grande, más detallado o ubicarlo en una posición central. Los elementos secundarios deben ser menos prominentes y apoyar la narrativa general del dibujo. Observa como cambia el dibujo en función del tamaño de los objetos y su nivel de detalle.
- Espacio Negativo: El espacio negativo se refiere a el espacio vacío o el fondo alrededor de los objetos principales en tú dibujo.
- Encuadre: El encuadre se refiere al marco o límites del dibujo. Es la proporción de imagen que quieres mostrar. Es muy importante para el resultado final. En este ejemplo puedes ver como cambia.
Recuerda que la composición y el encuadre son aspectos subjetivos del arte y que no hay una fórmula definitiva para lograr una composición perfecta. Con la práctica y la observación constante de obras de otros artistas, podrás mejorar tu capacidad para componer escenas.
Explorando Diferentes Estilos de Dibujo
Uno de los aspectos más emocionantes del dibujo es la posibilidad de experimentar y desarrollar diferentes estilos artísticos. Cada artista tiene su propia voz y enfoque, y explorar diversos estilos te permitirá encontrar el que mejor se adapte a tu personalidad y habilidades.
Aquí te propongo algunos estilos populares de dibujo que puedes explorar y desarrollar:
- Realismo: El realismo se enfoca en capturar los detalles y las características de los objetos o sujetos con la mayor precisión posible. Los dibujos realistas se asemejan a fotografías y requieren una observación minuciosa y un dominio de las técnicas de sombreado y texturizado. Practicar el realismo te ayudará a mejorar tus habilidades de observación y a crear dibujos increíblemente detallados y vívidos.
- Caricaturas: Las caricaturas son una representación exagerada y estilizada de personas u objetos que destacan rasgos y características distintivas. Este estilo te permite jugar con la creatividad y el humor y es una excelente manera de desarrollar tu sentido del diseño y la expresión artística. Como homenaje añado estos dibujos que F. Ibáñez solía crear, un importante artista español que falleció recientemente.
- Dibujo Abstracto: El dibujo abstracto se centra en representar ideas y emociones en lugar de objetos o sujetos concretos. Puedes utilizar formas, colores y líneas para expresar conceptos abstractos y experimentar con la libertad creativa sin límites.
- Manga/Anime: Este estilo es uno de los más populares hoy en día y es un estilo muy recomendado cuando empiezas a dibujar. Permite resultados muy bonitos y es conocido por sus personajes curiosos y expresivos.
- Dibujo a Pluma (o Boli): El dibujo a pluma se caracteriza por líneas definidas y trazos expresivos creados con plumas de tinta. Este estilo es ideal para crear dibujos detallados y expresivos y te permitirá desarrollar una mano firme y segura en tus trazos. Es uno de mis favoritos. En mis historias de instagram subimos alguno de estos de vez en cuando.
Recuerda que no hay límites en la exploración artística, y puedes combinar elementos de diferentes estilos para crear tu propio enfoque único.
Práctica y Paciencia: El Camino para Mejorar en el Dibujo
Convertirse en un artista habilidoso en el dibujo no es un sprint, sino una carrera de resistencia que requiere práctica constante y paciencia. A medida que te adentras en el mundo del dibujo, es común tener momentos en los que puedas sentirte frustrado o desalentado. Sin embargo, la clave para superar estos obstáculos y mejorar tus habilidades radica en la perseverancia y la dedicación.
Practicar te ayuda en muchas cosas. Te ayuda a desarrollar tus habilidades de forma continua, te enseña a supera obstáculos y a descubrir nuevas técnicas y estilos.
Lo más importante es no olvidad que si no se disfruta del proceso el resultado no habrá valido tanto la pena.
Conclusión
Recuerda que el arte del dibujo es un viaje único para cada individuo, y no hay un destino final. La práctica y la paciencia son la clave para seguir avanzando y mejorando como artista. Disfruta del proceso, diviértete experimentando y no tengas miedo de explorar nuevos horizontes artísticos. Con determinación y dedicación, alcanzarás nuevas alturas en tu habilidad para dibujar y, sobre todo, encontrarás una satisfacción profunda en la expresión de tu creatividad.
No olvidéis que tenéis debajo nuestras redes sociales por donde podéis mandarnos vuestros dibujos. También podéis preguntarnos lo que queráis. Espero que este post os haya sido útil ¡A seguir dibujando!
